Durante la Contrarreforma se hicieron bastante populares las series de Apóstoles que generalmente los representan de medio cuerpo, sobre fondo neutro y portando sus atributos iconográficos. Constituían, por una parte, una derivación de los retablos tardomedievales, en cuyos bancos y calles solían representarse santos aislados, de cuerpo entero y medio cuerpo. Pero para entender su presencia y su popularidad hay que acudir también a algunos libros con estampas, que subrayan la idea de serie.

La disposición en forma de serie de santos individuales constituía un instrumento de gran valor pedagógico y decorativo, muy apto para integrarse en interiores de carácter religioso. Además, en el caso del Apostolado, todos sus integrantes habían sido objeto de representación figurativa desde los primeros tiempos del arte cristiano, por lo que existía una tradición iconográfica muy codificada que facilitaba su identificación a cualquier fiel. Cada Apóstol estaba asociado a algún objeto concreto, que tenía que ver con su martirio o con su personalidad religiosa; y de muchos de ellos eran ampliamente conocidos algunos hechos relevantes de su biografía.

En España contribuyó mucho a popularizar estas series El Greco, que con ayuda de su taller realizó varias de ellas. El Museo del Prado guarda un Apostolado de Rubens, y de algunos cuadros sueltos de Velázquez se piensa que formaron parte de de una de esas series. La de Ribera se cita por primera vez en las Colecciones Reales a finales del siglo XVIII y está integrada por cuadros de muy distinta calidad, de manera que se mezclan en ellas obras con amplia intervención del taller con piezas que son elaborados estudios de gran precisión retratística en los que el pintor ha acertado a legarnos auténticos arquetipos de Apóstoles. Entre los mejores figuran San Pedro, San Pablo o San Bartolomé.

Fue una de las varias series de Apóstoles que se atribuyen a Ribera o a su taller, y son muchas las copias que de los miembros individuales de estos conjuntos se conservan.

Se ha fechado en los inicios de los años treinta, a la luz de sus relaciones compositivas con los filósofos y de su estilo, que muestra a un pintor que, sin abandonar el tenebrismo inicial, va avanzando con paso firme hacia una pintura más segura, monumental y personal.

Fue adquirido por Carlos IV, procedente de la Casita del Príncipe de El Escorial, de la que pasó al Museo del Prado.