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Obra realizada por Van Dyck en su periodo juvenil, cuando demuestra una gran influencia de la pintura veneciana. Así, la figura de Jesús está directamente inspirada en un modelo de Tiziano. La composición, con Cristo en el eje, deriva del aprendizaje del pintor con Rubens, así como los recursos de claroscuro, que éste empleó en las primeras décadas del siglo XVII.
La obra fue realizada en varias fases, siendo el perro y los hombres junto a la ventana adiciones a la composición inicial. Se observan arrepentimientos: un pie entre Cristo y el perro y una mano en el extremo izquierdo, junto al codo del verdugo.
Regalada por el artista a Rubens, la obra fue adquirida a su muerte para Felipe IV, quien la destinó al Monasterio de El Escorial, de donde ingresó en el Museo en 1839.]]>
2014-04-08T09:50:47+02:00
San Juan está representado con sus símbolos habituales, la cruz con la filacteria y el lema “Cordero de Dios”, y junto a la imagen de este animal, que tiernamente acaricia su primo, el Niño Jesús. La fuente de la derecha aludiría doblemente al Bautismo de Cristo y a su condición de fuente de vida.
La visión cercana, humana y cotidiana de los dos niños responde a una tradición posterior a la Contrarreforma de la Iglesia Católica, cuando se popularizaron estas escenas de devoción entre los fieles, pero también entre los coleccionistas de pintura.
Van Dyck utiliza una composición muy habitual entre sus retratos dobles, combinando la visión frontal de un personaje, con el perfil en escorzo del otro, con lo que consigue dotar a la obra de un mayor dinamismo formal.
La pintura fue atribuida sucesivamente a Jordaens, Rubens y Van Dyck, siendo probablemente la que ingresó en la Colección Real en 1691 procedente de la colección del marqués de El Carpio.]]>
2014-04-08T09:29:52+02:00
La situación del personaje en primer plano, delante de un gran volumen, ya fuese arquitectónico, pétreo o vegetal, con una fuga hacia un paisaje abierto en un extremo, es una solución compositiva característica de la última etapa en Inglaterra, y marcará enormemente el desarrollo del retrato inglés en los siguientes siglos. Firmado y fechado en la roca sobre la que apoya sus manos, posible símbolo de su fortaleza
Esta pintura ingresó en la Colección Real en 1745 procedente de la colección del duque del Arco.]]>
2014-04-08T09:29:49+02:00
Felipe III, nacido en 1609 y cardenal desde los 10 años, fue gobernador de Flandes desde 1634 hasta su muerte en Bruselas en 1641. El Cardenal Infante, aparece representado de más de medio cuerpo, con espada y bastón de general en la mano, de rojo y oro, está caracterizado con el traje que utilizó para su solemne entrada en Bruselas como gobernador de los Países Bajos en 1634.
Retrato eminentemente oficial, como delata el rico cortinaje del fondo, es muy cercano a las imágenes de su hermano, Felipe IV, que realizaba Velázquez por los mismos años.
El tratamiento de los blancos del cuello y la gola, las características pinceladas para marcar los pliegues del vestido y banda, así como la riqueza de los dorados del traje, son los elementos más destacados de este retrato. Estos aspectos formales lo equiparan con otros retratos del periodo del artista en Amberes, previo a su viaje a Inglaterra, donde evolucionarán sus conceptos sobre este género pictórico.]]>
2014-04-08T09:29:04+02:00
2014-04-08T09:25:33+02:00
Van Dyck, fue secretario del duque de Buckingham y un importante diplomático de la corte inglesa. Gran aficionado a las artes, fue el encargado de adquirir obras para la colección del rey Carlos I, siendo uno de los mejores apoyos del artistas durante su estancia en Londres.
El aristócrata aparece de frente y vestido de satén blanco, mientras que el pintor, de negro, está situado de perfil, más bajo, para no destacar por encima de la figura del aristócrata. El carácter excepcional de este retrato doble se justifica por la fuerte relación de afecto entre el pintor y su patrón, reforzada visualmente por la posición de sus manos sobre la roca, como símbolo de la fuerza de su amistad. Además, al retratarse junto a un noble, el artista está llamando la atención sobre su elevada condición social y dignificando indirectamente su labor de pintor como una actividad noble.
Perteneciente en origen al propio Endymion Porter, pasó por varias colecciones privadas, hasta que en 1745 apareció en la colección de la reina Isabel de Farnesio.
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2014-04-08T09:14:05+02:00
2014-04-08T08:27:48+02:00
retratado por Van Dyck (P1482).
Como primera dama de la Casa de Nassau, la retratada luce un elegante vestido negro con cuello a la francesa, y su gran escote está ornamentado por dos vueltas de collar de perlas y una gargantilla. El broche sobre el pecho, el anillo y las pulseras perladas completan la imagen de una dama de la alta aristocracia holandesa.
Van Dyck realizó numerosas réplicas de esta imagen, que se difundió enormemente a través de grabados y estampas, debiendo haber sido realizada durante el segundo periodo del pintor en los Países Bajos de 1628 a 1632. La atribución al artista se basa en la aparición del cuadro, junto con su pareja, como obra de Van Dyck en el inventario de la colección de Isabel de Farnesio en 1745 en La Granja.]]>
2014-04-08T08:25:44+02:00
2014-12-23T18:03:39+01:00
2014-04-08T07:50:21+02:00
Esta obra corresponde a la producción juvenil de Van Dyck, inspirada directamente en modelos venecianos. El bajo punto de vista y la utilización de un único foco de luz contribuyen a lograr una gran intensidad dramática, muy apropiada para el acontecimiento.
Se conocen varias versiones de esta pintura, una de las más afortunadas composiciones del pintor, que únicamente varían en aspectos secundarios. El cuadro del Museo del Prado fue propiedad de Rubens, a cuya muerte fue adquirido para Felipe IV, quien lo destinó al Alcázar de Madrid.
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2014-04-08T07:30:09+02:00
Similar a otra cabeza realizada por este artista (P1694) es probablemente un boceto o modelo para un cuadro mayor, destinado a estudiar gestos y posturas.
Es obra del periodo juvenil del artista, como demuestra la textura áspera de las pinceladas del rostro, que lo relacionan con otros retratos de su primera época.
La obra ha sido en ocasiones atribuida a Rubens. Curiosamente fue propiedad suya hasta 1640, cuando fue adquirido en su almoneda para Felipe IV.]]>
2014-04-08T07:24:31+02:00
La obra pertenece a la segunda etapa del pintor en su ciudad natal. La situación frontal del personaje y el bizarro escorzo de la mano izquierda marcan una imagen de gran rotundidad. La expresividad de los gestos pertenece a la retórica cortesana que caracteriza muchos retratos de este artista, repitiéndose habitualmente las soluciones del brazo en la cintura y la posición de la mano izquierda.
El retrato apareció en 1745 en la colección del duque del Arco.]]>
2014-04-08T07:15:47+02:00
2014-04-08T07:08:33+02:00
Se puede apreciar la influencia de Antonio Moro (1519 - 1576) en el concepto del retrato, la posición vertical y el fondo estrictamente negro. Aunque la moda que luce es muy anterior, ha sido fechado hacia 1628, coincidiendo con los últimos retratos del periodo genovés del artista. Con ellos tiene muchos aspectos en común, como la sobriedad en el uso del color, la solemnidad de la imagen y la profunda carga psicológica que emana de la retratada.
De origen desconocido, la pintura está documentada por primera vez en 1686 en el Alcázar de Madrid.]]>
2014-04-08T07:06:51+02:00
2014-12-23T18:07:13+01:00
pintor flamenco aparece retratado de poco menos de cuerpo entero, sentado en una silla, vestido con bata roja y abrigo de piel. Autor de paisajes, contemporáneo de Van Dyck, Ryckaert era manco de la mano izquierda, lo que, lejos de esconderse, se manifiesta ostensiblemente en el retrato.
Partiendo de la tradición del retrato nórdico de Antonio Moro (1519 - 1576) o Adriaen Willem Key (1515/1520 - 1568), el pintor coloca al efigiado sobre un profundo fondo negro y utiliza acertadamente los recursos de la luz, el color y la composición frontal para hacer un magnífico retrato psicológico. También se evidencian ciertas influencias de los retratos de Tiziano (h.1485 - 1576), especialmente en la utilización del color y la postura del personaje.
Probablemente realizado antes del viaje de Van Dyck a Inglaterra, fue propiedad de la hermana del pintor. En 1666 se cita entre las pinturas del Alcázar de Madrid.]]>
2014-04-08T02:54:29+02:00
2014-12-23T16:49:31+01:00
2014-05-30T08:51:40+02:00
Florecillas de San Francisco (Parte II, consideración segunda).
Es obra del segundo periodo de Amberes, donde el artista reside de 1627 a 1632, antes de su marcha a Inglaterra. El estilo conjuga la soltura plástica que el artista asimila durante su estancia en Italia con la tensión dramática propia de sus cuadros religiosos.
Adquirido para Felipe IV en la almoneda de Carlos I de Inglaterra.]]>
2014-04-08T01:48:54+02:00
Números 21, 4-9), se narra el momento en que Moisés salva a su pueblo de las serpientes enviadas por Dios como castigo por su falta de fe. Sobre una vara, la serpiente de bronce, que cura con mirarla a todo el que ha sido mordido por los reptiles, simboliza la salvación. Es una representación precursora de Cristo crucificado que trae el perdón a la humanidad y triunfa sobre la serpiente mortal del Pecado Original.
Las figuras esbeltas, el lenguaje trágico, la pincelada larga y el exceso de materia en los blancos, son características típicas de su período juvenil.
Firma apócrifa de Rubens en el ángulo inferior derecho.]]>
2014-04-08T01:05:27+02:00
El centro de la composición es el anillo, que el Niño impone a Catalina, ricamente vestida y alhajada como corresponde a su linaje. La espada que lleva y la palma del ángel aluden al martirio. Detrás de las figuras principales, San Francisco y otro fraile son testigos del acontecimiento.
En el ángulo inferior izquierdo un capitel corintio y un fuste caído evocan la etimología latina de su nombre catherina (ruina), ya que destruyó aquello cuanto el diablo quiso edificar. A la vez estos restos son muestra del conocimiento arqueológico del pintor, quizás derivado de los contactos con el duque de Buckingham, gran aficionado al arte y las antigüedades.
La pintura fue propiedad del marqués de Leganés en el siglo XVII. En 1745 estaba en la colección de la reina Isabel de Farnesio.]]>
2014-04-08T00:30:15+02:00
Van Dyck se casó en Inglaterra con María Ruthwen, dama de origen escocés, que moriría en 1645.
El pintor retrata a su esposa con el cabello recogido en un tocado de hojas de roble, en alusión al apellido de su marido, cuyo significado en neerlandés es “roble” o “encina”. Viste un luminoso traje azul de gran escote, collar de perlas y pulsera, con el que juega ante el espectador, en gesto de evidente relajación.
Dada su relación con la modelo el pintor dota al retrato de un amplio sentido de intimidad y afecto, al que contribuye el gesto de las manos y la mirada de la dama. Con esta imagen, Van Dyck se alejaba de los retratos cortesanos que estaba pintando en Inglaterra por esos años, para hacer una pintura más cercana, de índole doméstica y privada.
En 1746 aparece entre las pinturas de la colección de la reina Isabel de Farnesio.]]>
2014-04-07T23:16:52+02:00
Van Dyck representa la historia en su momento final, cuando tras consumar su amor, duerman placidamente en el bosque, en el momento de ser descubiertos por un sátiro.
El pintor realizó una representación del hecho cargada de poesía, donde la luz baña el bello cuerpo de Diana, identificada por la luna de su diadema y por los elementos alusivos a su condición de diosa de la caza: el perro, el arco con las flechas y las piezas del ángulo inferior derecho, que en sí mismas conforman un magnífico ejemplo de naturaleza muerta.
El cuadro, muy influido por la sensualidad de la pintura mitológica italiana, está inspirado en modelos de Tintoretto (1519 - 1594), pero el pintor también utilizó como fuente visual ciertos grabados del flamenco Hendrick Goltzius (1558 - 1617).
La obra se documenta por primera vez en España en el inventario del Alcázar de Madrid de 1686.]]>
2014-04-07T22:50:12+02:00